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Les Cloches
«C’est
parce que j’ai passé presque toute ma vie parmi les
vibrations des carillons de Moscou, que j’ai réussi
à faire vibrer les cloches des émotions humaines dans
mes œuvres.»
-------Nous écrivions dans
l’article concernant l’Île
des morts
que le compositeur allait « récidiver », en
quelque sorte, son règlement de compte avec
l’existence quatre années plus tard, en 1913, avec
Les Cloches, symphonie chorale pour soprano, ténor,
baryton, chœur et grand orchestre. Mais, au fond, il
s’agit moins ici de régler une vieille affaire qui
nous attache à l’existence depuis notre naissance
que de se faire, plus simplement, plus douloureusement,
le chantre du dur métier de vivre. En effet,
l’univers spirituel de Rachmaninov a évolué, et
ses protestations avec : il ne s’agit plus tant
d’affronter, dans un duel hautement romantique, la
Mort, avec une majuscule, que de peindre le parcours
singulier d’une vie, c'est-à-dire le parcours d'un
échec, le vieillissement du corps, l’effondrement
d’une existence particulière.
Et en effet, le fracas et le grondement de
l’orchestre précédant le départ de Charron de
l’île funèbre laisse ici la place, dans un ultime
et mémorable mouvement, à un dénouement plus
voluptueux et serein, à partir du thème funèbre du cor
anglais que reprendra doucement la flute, le portant à
des degrés de lumière et de calme insoupçonnables.
Comment, dès lors, comprendre l’évolution vers
cette transfiguration, cette acceptation - tragique,
stoïcienne, d'une certaine manière - du trépas ?
Pourtant, le poème a sans doute plu au
compositeur russe pour des raisons plus personnelles,
moins métaphysiques : l’imaginaire des cloches.
Celles-ci ont toujours été un élement pricipal de son
univers musical (et ne les entendons-nous pas sonner,
déjà, dans l’ouverture du second
concerto pour piano ?).
Preuve que son « instinct » musical
a été marqué par cet imaginaire, il écrivit en 1932
dans une lettre à Walter E. Koons :
Avant d’ajouter, et nous soulignons :
Et les cloches du crépuscule vont en effet
carillonner dans cette œuvre. En 1913, Rachmaninov a
quarante ans et, depuis une dizaine d’années déjà,
sa correspondance abonde en allusions à son « âge
avancé », à ce sentiment d’avoir « terriblement
vieilli ». Il est effrayé à la pensée « qu’il
va bientôt rejoindre le diable. » Marietta
Chaginian, une de ses égéries, rapporte qu’« il
trouvait terrible qu’il exista quelque chose après
la mort. Mieux valait pourrir, cesser d’exister,
disparaître à jamais. » On sent donc
qu’à nouveau la composition va porter la marque
personnelle de ses interrogations, et qu’elle agira
comme une ultime réprimande et protestation envers
l’existence, ou comme un ultime recueillement, une
réconciliation… D’autant que le poème
original, lui, ne s’embarrasse pas d’humeurs,
se clôturant sur des notes graves et désespérées (la
traduction du poème est d'ailleurs disponible à la
suite de cet article) :
Ainsi Rachmaninov va-t-il suivre le texte dans
le choix de ses motifs et du traitement musical : grelots
argentés de l’enfance, cloches en or du mariage,
tocsin en bronze de l’âge adulte, glas sinistre de
la mort, mais en s’octroyant une petite infidélité
: terminer l’œuvre sous une aurore d’espoir…
Le
compositeur russe a en tout cas toujours considéré
cette œuvre comme une de ses meilleures, et sa
favorite avec les Vêpres. L’impression est
facilement partagée tant on sent l’écriture
heureuse et inspirée qui l’anime d’un bout à
l’autre. Si chaque mouvement possède sa climatique
propre, la composition s’enveloppe d’un clair-obscur
des plus saisissants lorsque déjà, sous le tintement
des clochettes de l’enfance, une des pages les plus
rayonnantes de Rachmaninov, perce comme une lumière
noire et lointaine : à l’arrière-plan, le chant
strident et hurlant des cloches du désespoir se prépare
(passage fabuleux que le chœur entonne « bouches
fermées »). Toute l’œuvre repose sur
cette confrontation avec l’existence, ce scandale
contre lequel la musique vient se révolter. Au
désespoir croissant du poème se joint la déferlante
mutinerie musicale du compositeur dans le glas du
troisième mouvement, une véritable fournaise aux airs
de catastrophe. L’auditeur est alors submergé par
la décharge assassine et dramatique de l’orchestre
lorsque, dans le dernier mouvement, avec douceur et
suavité, le magnifique et ténébreux thème du cor
anglais qui avait ouvert le finale reparaît sous la
flûte, désamorcé de toute angoisse, sur le mode
majeur… Je
viens je ne sais d’où, La
composition, qui peignait par le son les quatre premiers
vers, trouve paradoxalement sa solution, son élucidation
dans les raisons mêmes de ses tourments (car c’est
bien le même motif qui survient, celui énoncé par le
cor anglais, comme si Rachmaninov tirait justement les
possibilités d’une certaine allégresse en toute
connaissance de cause, devant l’observation, si
l’on peut dire, de l’étendue des dégâts
...). Comme le note Clément Rosset :
Le dernier vers de l’épitaphe, comme
l’ultime chant de la flûte, vient alors nous
réconcilier avec l’existence. Un horizon
merveilleux se lève soudainement après la sauvagerie
musicale des cloches de bronze et de fer, achevant ce
dernier mouvement, un des chefs-d’œuvre du
compositeur. Composée à la veille de la première guerre mondiale, cette partition, inquiète, épique, opulente même, semble ainsi manifester le déclin somptueux à la fois d'un esprit, en proie à l'angoisse, et d'une société, d'une époque, prête à connaître la guerre, la chute du régime tsariste et la révolution bolchevique. Elle représente cependant une étape importante dans l'oeuvre de Rachmaninov, comme l’émergence d’une certaine maturité : après les Cloches, son style cherchera, semble-t-il, à dire plus avec moins. La plupart de ses œuvres futures seront comme marquées par l’ombre projetée des Cloches, l’ombre d’une certaine résignation peut-être, d’un certain désespoir, d’une certaine lucidité…
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